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Ispirato liberamente a Il cavaliere nell’armatura arrugginita di R. Fischer

Un richiamo nasce nel silenzio:
non fermarsi, anche se il passo fa male,
anche se l’orizzonte sembra lontano e sfocato.

Nella penombra, il viandante e il guerriero si incontrano. Sentono il peso dei dubbi,
la tentazione di restare immobili.
Ma qualcosa arde dentro:
un risveglio, una scintilla che spezza l’inerzia.

Comincia il combattimento.
Non è contro il mondo, ma contro se stessi.
Ogni colpo, ogni giro, è prova del cammino.

E nel fragore, guerriero e viandante si fondono in un solo essere, risoluto, indivisibile.

Il culmine si rivela, vibrante,
finché la calma giunge come un fiume lento.
Il passo continua, fermo, senza voltarsi indietro.

Perché il più grande ostacolo non è fuori.
E il cammino… non è terminato.

I Have Seen That Face Before è un’immersione profonda nel mondo interiore dell’interprete, che esplora il delicato istante tra la fine di una performance, il ritorno dei danzatori sul palco e l’incontro con il pubblico.

Un’analisi delle possibilità fisiche e cinematografiche contenute in quei quindici secondi che intercorrono tra il termine di una performance e gli applausi: il sudore degli ultimi passi, l’oscurità del blackout e la luce che ritorna per gli inchini.

Il progetto indaga lo spettro delle emozioni contenute in quei momenti, mettendo in relazione lo sforzo fisico della performance e l’umile accettazione degli applausi, aprendo un dialogo sulla vera conclusione di uno spettacolo e sul suo impatto sul pubblico e sugli artisti.

Il coreografo mira a destrutturare il momento di chiusura di uno spettacolo, reinterpretando la “fine” non come un epilogo, ma come una potenziale rinascita di emozioni ed energia.

Analizzando l’atto di essere osservati durante gli inchini, si cerca di comprendere cosa si innesca in un corpo danzante e quali ripercussioni ciò possa avere sugli interpreti e sul pubblico. Il concept si sviluppa dal desiderio di esplorare la partecipazione del pubblico come elemento attivo, trasformando gli applausi in un nuovo atto performativo.

I Have Seen That Face Before si interroga: gli inchini sono una conclusione o una performance in sé, parte integrante dello spettacolo? L’interprete ha la possibilità di staccarsi dalla performance o l’essere osservati è un suo prolungamento?

Stormi è una pratica di movimento ideata da Agostino Riola che, ogni volta, produce esiti differenti a seconda delle persone e dei luoghi che incontra.

Il progetto prende le mosse dagli studi del premio Nobel per la fisica Giorgio Parisi sul volo degli uccelli e da una lunga osservazione diretta del fenomeno naturale. Fulcro della pratica sono i principi e le regole che caratterizzano questo fenomeno, e la possibilità che possano essere acquisiti e riprodotti dagli esseri umani.

Prendendo spunto dalle danze dei volatili, Stormi ricerca ogni volta la bellezza, l’armonia e la magia tipiche di questo fenomeno, nel tentativo di creare una comunità che si muove all’unisono.

In un universo visivo sospeso tra reale e metafisico, due interpreti, simili ma distinte, si muovono in equilibrio tra prossimità e simbiosi. SOS, esercizi di sostentamento reciproco trae libera ispirazione dalla cruda scrittura de La trilogia della città di K di Ágota Kristóf e dalla disperata protezione di Una tomba per le lucciole di Isao Takahata, ponendo il sostegno reciproco come cuore pulsante dell’azione.

Attraverso esercizi di peso condiviso e gestione dello spazio, il movimento indaga un’amicizia profonda in cui la comunicazione non verbale si fa codice d’ascolto.

Ma l’armonia non è mai lineare: quando emergono tensioni e l’equilibrio si spezza, il concetto di SOS si manifesta come un richiamo urgente a ricalibrare la relazione per salvarsi. Oscillando tra forza e fragilità, nella complessa bellezza del sostenersi a vicenda.

Affinità è il sottotitolo con cui il coreografo descrive sinteticamente un passo a due maschile tratto dalla sua opera più ampia Power Game.

Un passo a due che esplora l’instabile equilibrio tra due corpi, costruito sulla tensione che lega e divide, sull’attrazione, in un continuo gioco di spinte e resistenze. Attraverso un linguaggio coreografico fatto di contatto e distacco, i due danzatori mettono in scena il paradosso del desiderio: la ricerca spasmodica dell’altro e il timore di esserne assorbiti.

In questo corto circuito emotivo, il corpo diventa campo di battaglia tra il bisogno di appartenenza e l’istinto di libertà, rivelando come ogni vera affinità viva proprio nell’instabile equilibrio tra un abbraccio e una fuga.

Nel deserto della società moderna, un paesaggio divenuto arido sotto il profilo della spontaneità dell’essere e soffocato da sovrastrutture razionali, Sustraiak si pone come un’indagine coreografica necessaria sulla forza ancestrale della vita.

Lo spettacolo esplora il manifestarsi prepotente della natura che, attraverso un movimento viscerale e inarrestabile, si riappropria istintivamente di ciò che le appartiene. È un ritorno alle origini che non accetta compromessi: la natura non si limita a circondare l’uomo, ma arriva ad affondare le sue radici sino allo spirito più profondo dell’essere umano, lo stesso spirito che la modernità tenta costantemente di sradicare e addomesticare.

Il progetto coreografico analizza questo conflitto tra cemento e linfa, tra l’oblio dei sensi e il richiamo della terra. I corpi in scena diventano canali di una metamorfosi, trasformandosi in propaggini di un ecosistema che rivendica il proprio spazio, dimostrando che l’appartenenza al mondo naturale è un legame indissolubile, sepolto ma mai spezzato.

Questa complessa ricerca artistica ha potuto vedere la luce grazie a un percorso di sostegno e valorizzazione di alto profilo. Fondamentale è stato l’apporto del Progetto Speciale MIC “Genius Loci”, che ha permesso di contestualizzare l’opera all’interno di una riflessione sul legame tra identità e luoghi.

Lo sviluppo creativo del lavoro è stato inoltre reso possibile grazie alla residenza “Creare Campania”, un contesto che ha offerto il tempo e lo spazio necessari per la sedimentazione del linguaggio coreografico e per l’esplorazione profonda delle tematiche trattate, permettendo a Sustraiak di germogliare in tutta la sua potenza espressiva.

Un corpo liturgico, disincarnato, che si fa spirito, elemento liquido sempre in movimento.

In questo progetto artistico, i danzatori della Compagnia Artemis Danza si svestono delle proprie individualità per divenire coro, comunità, onde sonore, parte di un’unica musica che, come nel repertorio sacro di Johann Sebastian Bach, vibra all’unisono o si articola in una polifonia complessa.

Sacro#Passione è quindi una preghiera collettiva, senza tempo e universale. Un cammino che attraversa i molti paesaggi della fede: speranza, pietà, commozione, pianto, struggimento, elevazione e abbandono. La disperazione fa parte del percorso, ma è solo un momento in cui prevale il flusso continuo del movimento, attorno al quale si stringe l’abbraccio della comunità.

“Giunge al luogo dell’anima chi distoglie il proprio desiderio dalle cose esteriori.”

Ci sono impedimenti e circostanze che portano a riflettere su ciò che, dall’esterno, influenza la propria interiorità.

Lay Bare è un viaggio che permette di scavare in profondità, spogliandosi di quel sovraccarico emotivo e materiale che riveste il corpo e ne nasconde l’essenza più intima. Una ricerca interiore, un modo per comprendere quali siano le ferite più dolorose e immaginare, insieme, un percorso di rinascita.

La musica abbraccia la danza, che consente di muoversi in un atto di sublimazione della realtà e di liberazione attraverso il movimento del corpo, che è espressione ma, talvolta, anche prigione. Lo scioglimento dei nodi dell’incomprensione avviene attraverso un atto di riconoscimento di sé tramite l’altro, che è corpo, natura, contatto e anima.

Nella semioscurità, presenze attraversano la scena. Uomini con cappotti neri avanzano compatti, come un’unica creatura fatta di passi ripetuti e gesti senza volto. Sono il peso della notte, una ronda del silenzio, l’eco di un mondo in cui i corpi hanno smesso di appartenersi.

Accanto a loro emerge un uomo diverso: cammina nello stesso tempo, ma il suo ritmo si spezza, lo sguardo cerca l’altro. Nei suoi gesti vibra ancora la possibilità di sentire. È la fragile insistenza di un’anima che non si lascia addormentare, che resiste all’omologazione e alla perdita di identità.

La performance si costruisce come un incontro-scontro tra uniformità e resistenza, tra il buio che avvolge e la luce che ostinatamente filtra. Attraverso un linguaggio fisico essenziale e potente, i corpi diventano veicolo di una tensione continua tra appartenenza e disobbedienza, tra protezione e isolamento.

Walking on the Wild Side è un rito silenzioso che interroga lo spettatore: cosa resta quando tutti gli altri hanno già ceduto? Quale spazio rimane per l’ascolto, per il dubbio, per il desiderio di contatto? In questo attraversamento, la scena si fa luogo di resistenza poetica, dove il movimento diventa atto politico e umano insieme.