Racconti di Danza è un incontro guidato da Nicolò Abbattista e Giovanni Careccia dedicato a illustrare tutti gli appuntamenti del Festival, le varie professionalità coinvolte nella sua realizzazione e il funzionamento della macchina teatrale.
L’appuntamento sarà un’occasione unica per spiare il “dietro le quinte” del mondo dello spettacolo, con una particolare attenzione alla danza contemporanea.
All’ingresso, un pastore attende il suo gregge: il pubblico. Lo accompagna fino al sito della performance, dispone le sue pecore e cade in sonno. I ricordi si animano. Un tappeto danza con un piccolo mucchio di terra: la sua forma teatrale.
In Ovis Aries un giardino, un parco, una campagna, un monte, un museo: ogni spazio prenderà la sua forma. In scena c’è solo un corpo, la pecora, e un materiale, la terra. Il corpo che abita la performer è un sacco creato artigianalmente, utilizzando lana di pecora. Ricorda un agnello pronto per essere sacrificato. Da esso nascerà, piano piano, una danza elegante e robusta, umana e animale, celeste e terrigna.
La performer, danzando e muovendosi su musiche e composizioni originali, darà vita all’animale e se ne distaccherà, instaurando con esso un dialogo, fino alla sua morte, al sacrificio e quindi a una nuova vita. Di nuovo, un ciclo.
Sweet Mumble è un progetto performativo di danza e voce che indaga le dinamiche affettive contemporanee e gli squilibri di potere che le attraversano, a partire dal fenomeno del ghosting e da forme di comunicazione intermittente, ambigua e frammentata. Il lavoro esplora l’assenza non come mancanza passiva, ma come forza attiva capace di modellare il corpo, il tempo e la possibilità di affidarsi all’altro.
Attraverso l’intreccio di pratica coreografica, scrittura autobiografica e uso della voce come materia instabile, la performance si sviluppa come un flusso discontinuo di gesti, parole interrotte e azioni quotidiane. Il linguaggio si spezza, deraglia in mormorii, cambia ritmo e intensità; il corpo risponde con micro-movimenti, sospensioni e ripetizioni, rendendo visibili le tracce che le relazioni lasciano nella postura, nell’ascolto e nella qualità della presenza.
Sweet Mumble costruisce un vocabolario coreografico dell’interruzione, in cui silenzio, esitazione e vulnerabilità diventano strategie compositive. La voce non accompagna il movimento, ma lo attraversa e lo modifica, generando pause, slittamenti e tensioni. In scena emerge un corpo giovane e incompiuto, attraversato da aspettative proiettate, desiderio di contatto e necessità di protezione.
Il progetto si configura come una ricerca sul corpo affettivo contemporaneo e sulla vulnerabilità come spazio politico. Trasformando un’esperienza intima in materia condivisibile, Sweet Mumble invita il pubblico ad abitare collettivamente la sospensione e a interrogarsi su cosa significhi oggi restare, scomparire, ascoltare e prendersi cura all’interno delle relazioni.
Un supermercato. Un incontro. Una storia d’amore.
Due clown, due buffoni, o forse solo due persone, si aggirano con cautela tra gli scaffali. Indossano doppi guanti di lattice, mascherine e, avvolti in molteplici strati di plastica, vagano con bastoni telescopici e spruzzini con cui puliscono ogni cosa prima di toccarla, per tenere il mondo alla debita distanza.
Ciascuno pensa a recuperare, nel minor tempo possibile, ciò di cui ha bisogno. Senonché, nello scaffale di detergenti e ammorbidenti, di flaconi ne è rimasto uno solo.
Si vedono da lontano e capiscono subito. Cosa ne sarà di questa lotta all’ultimo Coccolino?
È possibile che un nemico del genere, in tempi sospetti, possa diventare qualcosa di più?
Supermarket esplora la capacità, o l’incapacità, di accogliere le contraddizioni e le trasformazioni delle persone che ci circondano. Ci chiede se siamo innamorati della persona in sé o di ciò che quella persona rappresenta per noi.
Un ritorno alle proprie radici, alla riscoperta di suoni, colori ed emozioni che fanno parte di un bagaglio artistico ricco e variegato. È questo il punto di partenza del concerto di Karima, Canta Autori, il progetto attraverso cui l’artista rende omaggio ai grandi cantautori che hanno lasciato il segno nella musica e nella cultura italiana.
Uno spettacolo nel quale Karima si avvicina a questo repertorio con grande amore e rispetto, offrendo interpretazioni personali, intime e, allo stesso tempo, passionali, eleganti ed energiche. Sono i tratti distintivi di una cantante che, fin dai suoi primi passi artistici, si è approcciata con naturalezza alla musica black, al gospel e al jazz, dimostrando versatilità e la capacità di esprimersi attraverso linguaggi differenti.
In questo racconto musicale, che rivolge lo sguardo all’Italia, non potevano mancare i musicisti che l’accompagnano da sempre: Bernardo Guerra alla batteria, Gabriele Evangelista al contrabbasso e il Maestro Piero Frassi al pianoforte, al suo fianco ormai da ventuno anni e curatore degli arrangiamenti del progetto.
Il repertorio attraversa alcune delle pagine più amate della canzone d’autore italiana: Anna e Marco di Lucio Dalla, Anna verrà e Che ore so’ di Pino Daniele, Il nostro concerto di Umberto Bindi, Prendila così di Lucio Battisti, Scrivimi di Nino Buonocore, Buona notte a te di Fabio Concato e molti altri.
Più che un semplice concerto, Canta Autori è un viaggio emotivo e musicale che intreccia memoria, interpretazione e identità, restituendo nuova vita a brani che appartengono alla storia collettiva della musica italiana.
Oggi è il Mio Giorno è una performance che si sviluppa attraverso un laboratorio territoriale. Un racconto fatto di immagini in movimento, in cui ogni partecipante coglie l’attimo, invitando il pubblico stesso a osare l’azione.
Il cibo e la tavola accompagnano le nostre vite da sempre: sono indice del nostro benessere e delle nostre relazioni sociali, raccontano i nostri desideri e le nostre paure.
Saga Salsa è memoria di famiglia, è un modo per calarsi nel quotidiano delle vite e leggerle attraverso il culto del cibo. Attorno a un tavolo, fra una portata e l’altra, tre donne di tre generazioni diverse, una nonna, una madre e una figlia, si incontrano per parlare delle loro vite.
Tre donne che mettono in tavola passato e presente in una cena da gustare, ma anche da vedere e ascoltare: una cena in cui tutti i sensi sono chiamati a partecipare, e dove il pasto da consumare non è fatto solo di cibo, ma anche di emozioni, sapori e storie.
NB: Il biglietto si riferisce esclusivamente all'ingresso allo spettacolo. La partecipazione è subordinata alla cena a menu fisso (€30 a persona), il cui costo non è incluso nel biglietto e dovrà essere corrisposto direttamente al Ristorante La Torre.
Dedalo di Luigi Friotto è il labirinto che apre e chiude le porte dell’animo umano senza la pretesa di trascinarlo fuori. Il corridoio verso l’uscita esiste, ma è solo la via finale da percorrere: prima della salvezza, per chi vorrà trovarla, ci sono innumerevoli stanze in cui lasciare lo sguardo.
Dedalo, Icaro, Zeno, Ulisse, gli uomini della caverna di Platone: ognuno con la propria storia e le proprie prospettive sul mondo, ha tentato di sfidare i limiti del pensiero comune per intravedere la luce, aprire nuovi spazi della mente e scoprire lidi migliori e più avvincenti. Il loro fallimento è chiaro e innegabile, ma resta, in fondo, la celebrazione del tentativo di riscatto su questa terra.
L’uscita dal labirinto che ci abita passa per l’abbandono delle cose a cui ci siamo legati indissolubilmente. È il tempo di lasciar andare cose, persone, privilegi, rancori. È il tempo di non aggrapparci più a quella che crediamo la nostra salvezza: al piatto pieno, alla luna dentro il pozzo, alle mani che chiamiamo in aiuto, spesso invano. È il tempo di non tornare più sulla strada che ci riporta alla partenza. È il tempo di non legare il nostro destino a ciò che è fuori dalla porta e non ci appartiene. È, infine, il tempo di baciare chi ci ha fatto male - e lo ha fatto bene, forse solo per farsi perdonare senza rimorsi o, in fondo, per donarci un’occasione di pietà.
musicALL è un progetto di danza urbana pensato per spazi pubblici e contesti non teatrali, concepito per coinvolgere diverse tipologie di comunità. La performance è partecipativa: lo spettatore è invitato a diventare parte attiva dell’azione.
Secondo capitolo della ricerca della Compagnia Lost Movement dopo dancehALL, musicALL approfondisce il ballo come pratica sociale e rituale contemporaneo, interrogandosi su come l’immaginario pop e cinematografico abbia costruito e plasmato il nostro modo di percepire il corpo che danza.
Il lavoro attraversa un passaggio preciso: dalla ripetizione meccanica del gesto fino a una possibile riappropriazione collettiva del movimento. I gesti iconici e riconoscibili si svuotano progressivamente della loro funzione originaria per diventare materiale coreografico.
La performance si articola attraverso cinque film che hanno segnato in modo indelebile l’immaginario della danza: Fame, Flashdance, Dirty Dancing, Saturday Night Fever e Footloose.
musicALL trasforma lo spazio urbano in un luogo di ribellione e liberazione, costruendo un climax rituale in cui pubblico e performer condividono la stessa esposizione.
Motosega alla mano, un giovane uomo irrompe nella casa del Primo Ministro, sequestrandone la moglie e la governante lettone.
Sebbene la situazione includa elementi magici e messianici, tutto si svolge in un’atmosfera quotidiana: si prepara una peperonata, si beve un liquore al melone, c’è da aprire una scatola di cartone. Eppure, da quel contesto ordinario può partire un accordo capace di modificare il destino del mondo.
Si parla di macroeconomia, di come il vantaggio dei più ricchi poggi sullo sfruttamento dei più poveri e di come lo Stato sia complice di questa speculazione. Si parla di comunismo e di un giubileo che annulli tutti i debiti, come accadeva migliaia di anni fa in Mesopotamia e in Egitto, dopo l’ascesa di un nuovo re o faraone al trono.
Il capitalismo sembra giunto a una fase terminale in cui sopravvive solo aumentando ingiustizie e vessazioni. Forse non ci si deve rassegnare a questo esito. Forse si può immaginare altro.
In Suspended Chorus, la coreografa e performer Silvia Gribaudi sale sul palco da sola, ma non è mai sola. Partendo da un desiderio di collettività e unione, l’opera propone un rinnovato dialogo con il pubblico. Il teatro, inteso come spazio di coabitazione tra chi performa e chi assiste, diventa il luogo in cui spettatori e spettatrici sono invitati a trasformarsi in un coro sospeso, fluttuante, plurale e necessario, diventando parte essenziale dell’opera stessa.
Influenzata dalle pioniere della danza come Pina Bausch, Isadora Duncan e Anna Pavlova, Gribaudi si confronta con i limiti del suo corpo ultracinquantenne, trovando gioia e piacere nell’esplorazione delle sue potenzialità.
Suspended Chorus decostruisce i canoni moderni di bellezza e mette in luce la mortalità del corpo come entità individuale, celebrando al contempo la forza e il potere del collettivo. Ne siamo tutti e tutte parte integrante.
In Forma Rerum il corpo, attraverso la sua forma, permette di toccare, essere toccato e sentire intensamente la materia e le emozioni. Si indaga il concetto di forma, intesa come configurazione fisica che delimita la massa ed è capace di generare armonia o dissonanza.
I danzatori, materia in movimento, si plasmano e si dissolvono nello spazio e nel tempo. L’azione coreografica, come un’operazione architettonica, dà forma alla materia-corpo; il fraseggio, come una grande scultura obbediente, costruisce lo spazio.
In questo divenire emergono i rapporti umani nella loro fragilità e complessità, dove l’apparenza si fa spesso strumento di manipolazione e barriera di difesa. La forma rivela così non solo la differenza degli esseri, ma anche le dinamiche invisibili che plasmano le relazioni, tra controllo e vulnerabilità, tra superficie e profondità.
È un’esplorazione sensoriale sulla bellezza che, sfidando gli stereotipi contemporanei, apre nuovi orizzonti per i canoni estetici.
