Danza

All’ingresso, un pastore attende il suo gregge: il pubblico. Lo accompagna fino al sito della performance, dispone le sue pecore e cade in sonno. I ricordi si animano. Un tappeto danza con un piccolo mucchio di terra: la sua forma teatrale.

In Ovis Aries un giardino, un parco, una campagna, un monte, un museo: ogni spazio prenderà la sua forma. In scena c’è solo un corpo, la pecora, e un materiale, la terra. Il corpo che abita la performer è un sacco creato artigianalmente, utilizzando lana di pecora. Ricorda un agnello pronto per essere sacrificato. Da esso nascerà, piano piano, una danza elegante e robusta, umana e animale, celeste e terrigna.

La performer, danzando e muovendosi su musiche e composizioni originali, darà vita all’animale e se ne distaccherà, instaurando con esso un dialogo, fino alla sua morte, al sacrificio e quindi a una nuova vita. Di nuovo, un ciclo.

Sweet Mumble è un progetto performativo di danza e voce che indaga le dinamiche affettive contemporanee e gli squilibri di potere che le attraversano, a partire dal fenomeno del ghosting e da forme di comunicazione intermittente, ambigua e frammentata. Il lavoro esplora l’assenza non come mancanza passiva, ma come forza attiva capace di modellare il corpo, il tempo e la possibilità di affidarsi all’altro.

Attraverso l’intreccio di pratica coreografica, scrittura autobiografica e uso della voce come materia instabile, la performance si sviluppa come un flusso discontinuo di gesti, parole interrotte e azioni quotidiane. Il linguaggio si spezza, deraglia in mormorii, cambia ritmo e intensità; il corpo risponde con micro-movimenti, sospensioni e ripetizioni, rendendo visibili le tracce che le relazioni lasciano nella postura, nell’ascolto e nella qualità della presenza.

Sweet Mumble costruisce un vocabolario coreografico dell’interruzione, in cui silenzio, esitazione e vulnerabilità diventano strategie compositive. La voce non accompagna il movimento, ma lo attraversa e lo modifica, generando pause, slittamenti e tensioni. In scena emerge un corpo giovane e incompiuto, attraversato da aspettative proiettate, desiderio di contatto e necessità di protezione.

Il progetto si configura come una ricerca sul corpo affettivo contemporaneo e sulla vulnerabilità come spazio politico. Trasformando un’esperienza intima in materia condivisibile, Sweet Mumble invita il pubblico ad abitare collettivamente la sospensione e a interrogarsi su cosa significhi oggi restare, scomparire, ascoltare e prendersi cura all’interno delle relazioni.

Un supermercato. Un incontro. Una storia d’amore.

Due clown, due buffoni, o forse solo due persone, si aggirano con cautela tra gli scaffali. Indossano doppi guanti di lattice, mascherine e, avvolti in molteplici strati di plastica, vagano con bastoni telescopici e spruzzini con cui puliscono ogni cosa prima di toccarla, per tenere il mondo alla debita distanza.

Ciascuno pensa a recuperare, nel minor tempo possibile, ciò di cui ha bisogno. Senonché, nello scaffale di detergenti e ammorbidenti, di flaconi ne è rimasto uno solo.

Si vedono da lontano e capiscono subito. Cosa ne sarà di questa lotta all’ultimo Coccolino?
È possibile che un nemico del genere, in tempi sospetti, possa diventare qualcosa di più?

Supermarket esplora la capacità, o l’incapacità, di accogliere le contraddizioni e le trasformazioni delle persone che ci circondano. Ci chiede se siamo innamorati della persona in sé o di ciò che quella persona rappresenta per noi.

Oggi è il Mio Giorno è una performance che si sviluppa attraverso un laboratorio territoriale. Un racconto fatto di immagini in movimento, in cui ogni partecipante coglie l’attimo, invitando il pubblico stesso a osare l’azione.

musicALL è un progetto di danza urbana pensato per spazi pubblici e contesti non teatrali, concepito per coinvolgere diverse tipologie di comunità. La performance è partecipativa: lo spettatore è invitato a diventare parte attiva dell’azione.

Secondo capitolo della ricerca della Compagnia Lost Movement dopo dancehALL, musicALL approfondisce il ballo come pratica sociale e rituale contemporaneo, interrogandosi su come l’immaginario pop e cinematografico abbia costruito e plasmato il nostro modo di percepire il corpo che danza.

Il lavoro attraversa un passaggio preciso: dalla ripetizione meccanica del gesto fino a una possibile riappropriazione collettiva del movimento. I gesti iconici e riconoscibili si svuotano progressivamente della loro funzione originaria per diventare materiale coreografico.

La performance si articola attraverso cinque film che hanno segnato in modo indelebile l’immaginario della danza: Fame, Flashdance, Dirty Dancing, Saturday Night Fever e Footloose.

musicALL trasforma lo spazio urbano in un luogo di ribellione e liberazione, costruendo un climax rituale in cui pubblico e performer condividono la stessa esposizione.

In Suspended Chorus, la coreografa e performer Silvia Gribaudi sale sul palco da sola, ma non è mai sola. Partendo da un desiderio di collettività e unione, l’opera propone un rinnovato dialogo con il pubblico. Il teatro, inteso come spazio di coabitazione tra chi performa e chi assiste, diventa il luogo in cui spettatori e spettatrici sono invitati a trasformarsi in un coro sospeso, fluttuante, plurale e necessario, diventando parte essenziale dell’opera stessa.

Influenzata dalle pioniere della danza come Pina Bausch, Isadora Duncan e Anna Pavlova, Gribaudi si confronta con i limiti del suo corpo ultracinquantenne, trovando gioia e piacere nell’esplorazione delle sue potenzialità.

Suspended Chorus decostruisce i canoni moderni di bellezza e mette in luce la mortalità del corpo come entità individuale, celebrando al contempo la forza e il potere del collettivo. Ne siamo tutti e tutte parte integrante.

In Forma Rerum il corpo, attraverso la sua forma, permette di toccare, essere toccato e sentire intensamente la materia e le emozioni. Si indaga il concetto di forma, intesa come configurazione fisica che delimita la massa ed è capace di generare armonia o dissonanza.

I danzatori, materia in movimento, si plasmano e si dissolvono nello spazio e nel tempo. L’azione coreografica, come un’operazione architettonica, dà forma alla materia-corpo; il fraseggio, come una grande scultura obbediente, costruisce lo spazio.

In questo divenire emergono i rapporti umani nella loro fragilità e complessità, dove l’apparenza si fa spesso strumento di manipolazione e barriera di difesa. La forma rivela così non solo la differenza degli esseri, ma anche le dinamiche invisibili che plasmano le relazioni, tra controllo e vulnerabilità, tra superficie e profondità.

È un’esplorazione sensoriale sulla bellezza che, sfidando gli stereotipi contemporanei, apre nuovi orizzonti per i canoni estetici.

Addó Sta P? riprende il viaggio iniziato con POPoff (produzione di repertorio della Compagnia Lost Movement), e lo conduce nella Puglia di oggi, dove i riti antichi, le tradizioni popolari e la memoria collettiva si confrontano con una società profondamente trasformata.

La tribù non è scomparsa: ha semplicemente cambiato forma. I gesti rituali convivono con nuovi linguaggi, la pizzica continua a pulsare accanto ai ritmi della contemporaneità e il cibo rimane il luogo privilegiato dell’incontro, dello scontro e della costruzione delle relazioni. Ciò che un tempo rappresentava appartenenza diventa oggi una domanda aperta: cosa resta di una comunità quando cambiano i suoi simboli, i suoi spazi e il suo modo di abitare il mondo?

Ispirato liberamente a Il cavaliere nell’armatura arrugginita di R. Fischer

Un richiamo nasce nel silenzio:
non fermarsi, anche se il passo fa male,
anche se l’orizzonte sembra lontano e sfocato.

Nella penombra, il viandante e il guerriero si incontrano. Sentono il peso dei dubbi,
la tentazione di restare immobili.
Ma qualcosa arde dentro:
un risveglio, una scintilla che spezza l’inerzia.

Comincia il combattimento.
Non è contro il mondo, ma contro se stessi.
Ogni colpo, ogni giro, è prova del cammino.

E nel fragore, guerriero e viandante si fondono in un solo essere, risoluto, indivisibile.

Il culmine si rivela, vibrante,
finché la calma giunge come un fiume lento.
Il passo continua, fermo, senza voltarsi indietro.

Perché il più grande ostacolo non è fuori.
E il cammino… non è terminato.

I Have Seen That Face Before è un’immersione profonda nel mondo interiore dell’interprete, che esplora il delicato istante tra la fine di una performance, il ritorno dei danzatori sul palco e l’incontro con il pubblico.

Un’analisi delle possibilità fisiche e cinematografiche contenute in quei quindici secondi che intercorrono tra il termine di una performance e gli applausi: il sudore degli ultimi passi, l’oscurità del blackout e la luce che ritorna per gli inchini.

Il progetto indaga lo spettro delle emozioni contenute in quei momenti, mettendo in relazione lo sforzo fisico della performance e l’umile accettazione degli applausi, aprendo un dialogo sulla vera conclusione di uno spettacolo e sul suo impatto sul pubblico e sugli artisti.

Il coreografo mira a destrutturare il momento di chiusura di uno spettacolo, reinterpretando la “fine” non come un epilogo, ma come una potenziale rinascita di emozioni ed energia.

Analizzando l’atto di essere osservati durante gli inchini, si cerca di comprendere cosa si innesca in un corpo danzante e quali ripercussioni ciò possa avere sugli interpreti e sul pubblico. Il concept si sviluppa dal desiderio di esplorare la partecipazione del pubblico come elemento attivo, trasformando gli applausi in un nuovo atto performativo.

I Have Seen That Face Before si interroga: gli inchini sono una conclusione o una performance in sé, parte integrante dello spettacolo? L’interprete ha la possibilità di staccarsi dalla performance o l’essere osservati è un suo prolungamento?

Stormi è una pratica di movimento ideata da Agostino Riola che, ogni volta, produce esiti differenti a seconda delle persone e dei luoghi che incontra.

Il progetto prende le mosse dagli studi del premio Nobel per la fisica Giorgio Parisi sul volo degli uccelli e da una lunga osservazione diretta del fenomeno naturale. Fulcro della pratica sono i principi e le regole che caratterizzano questo fenomeno, e la possibilità che possano essere acquisiti e riprodotti dagli esseri umani.

Prendendo spunto dalle danze dei volatili, Stormi ricerca ogni volta la bellezza, l’armonia e la magia tipiche di questo fenomeno, nel tentativo di creare una comunità che si muove all’unisono.

In un universo visivo sospeso tra reale e metafisico, due interpreti, simili ma distinte, si muovono in equilibrio tra prossimità e simbiosi. SOS, esercizi di sostentamento reciproco trae libera ispirazione dalla cruda scrittura de La trilogia della città di K di Ágota Kristóf e dalla disperata protezione di Una tomba per le lucciole di Isao Takahata, ponendo il sostegno reciproco come cuore pulsante dell’azione.

Attraverso esercizi di peso condiviso e gestione dello spazio, il movimento indaga un’amicizia profonda in cui la comunicazione non verbale si fa codice d’ascolto.

Ma l’armonia non è mai lineare: quando emergono tensioni e l’equilibrio si spezza, il concetto di SOS si manifesta come un richiamo urgente a ricalibrare la relazione per salvarsi. Oscillando tra forza e fragilità, nella complessa bellezza del sostenersi a vicenda.