Insieme è un omaggio all’amore del corpo dell’uomo e della donna che nella loro diversità sono ugualmente perfetti.
Una ricerca sul tema dell’ambiguità dei sentimenti, del dualismo nell’amore che esplora la relazione tra maschile e femminile e la cura istintiva ed appassionata che lega due persone.
La performance celebra il diritto alla StraVaganza, esplorando la ricca diversità della vita e l’unicità di ogni individuo.
La coreografia va oltre la deviazione dalla norma, enfatizzando l’originalità e l’autenticità. Il movimento è presentato come espressione di identità libera ed esuberante, abbracciando la stravaganza come tratto distintivo positivo. La danza esplora l’eccentricità, l’abbondanza e la prodigalità, superando i limiti ragionevoli e celebrando la diversità. Ispirata anche alla geometria, la coreografia rappresenta l’unità nella varietà.
La performance è un atto di resistenza alla normalità, invitando a entrare nel mondo del libero movimento e celebrando la libertà di espressione, l’autonomia individuale e il valore della stravaganza in un mondo che talvolta dimentica l’importanza della diversità e dell’originalità.
Green Days racconta il confronto tra due generazioni: Marco, un Millennial con una vita precaria, e sua figlia Emma, una Gen Z impegnata tra scuola, lavoro e la passione per l'ecologismo. Emma cerca di insegnare a Marco le buone pratiche ambientali, ma lui accetta con fatica.
La situazione cambia quando Marco accetta un lavoro come guardia di sicurezza in un'azienda di distribuzione di gas metano. Emma, credendo che questo vada contro tutto ciò in cui crede, gli chiede di non farlo.
Da questo momento tutto cambia. Quella che sembra la ribellione di un'adolescente è in realtà l'inizio di un attivismo che si fa sempre più radicale. Il conflitto ideologico tra un ambientalista e un realista si trasforma in uno scontro tra padre e figlia, fatto di cose non dette e sentimenti mai espressi.
Il racconto segue la radicalizzazione di Emma e i disperati tentativi di Marco di capire la figlia. La storia indaga se è il mondo a dover essere salvato o se siamo noi a doverci salvare da noi stessi. Green Days esplora la complessità dei nostri tempi e le contraddizioni che ci fanno inciampare ogni giorno.
Racconti di Danza è un ciclo di tre appuntamenti che si propone di offrire al pubblico una prospettiva approfondita sulla visione artistica, la poetica e il percorso di vita di alcuni degli artisti selezionati per il programma.
Attraverso la moderazione di Nicolò Abbattista e le testimonianze di Claudio Ronda, Chiara Ameglio e Roberta Ferrara, il percorso si articola attorno a tematiche di rilevanza contemporanea. Le discussioni avranno come fulcro concetti quali l’inclusività, il cambiamento climatico, i conflitti globali e le soluzioni innovative promosse dalle nuove generazioni.
Questo ciclo di incontri non si limita a esplorare l’arte della danza, ma la utilizza come veicolo per stimolare una riflessione critica su questioni sociali e culturali di stringente attualità.
Corpo è un termine generico con cui si indica qualsiasi porzione limitata di MATERIA* (*Nell’accezione più generica, ciò che costituisce tutti i corpi, la sostanza fisica che, assumendo forme diverse nello spazio, può essere oggetto di esperienza sensibile, ed è in generale concepita come esistente indipendentemente dalla coscienza individuale).
L’idea nasce da una visione.
Un desiderio.
Riconnettersi, ritrovare i legami con la natura, dove il nostro corpo funge da tramite.
Un corpo che ha smesso di vivere in natura da molto tempo.
Il cervello umano, nell’evoluzione, per necessità, ha fatto si che la percezione fosse rivolta maggiormente al regno animale che a quello vegetale per questioni ovvie, come la difesa e la caccia facendo si che alberi, fiori, tutti gli esseri che hanno un corpo diverso dal regno animale appaiano solo come sfondo della nostra vita quotidiana L’umanità necessita di un’evoluzione/rivoluzione, l’inizio di un rinascimento spirituale e naturalistico rivolto alla comprensione del mondo vegetale ma maggiormente al cambiamento sociale ispirandosi alle dinamiche sociali del mondo vegetale.
Mai come in questo periodo il mio sguardo è rivolto verso di loro, esseri che nella loro stasi racchiudono l’interezza della vita.
Probabilmente non esiste altra veduta come quella del mare che possa avvicinarsi a spiegare il difficile concetto dell’eternità. Osservando la sua superficie blu apparentemente infinita, riusciamo a comprendere quanto siamo effimeri, quanto piccoli e limitati, come le proverbiali gocce in un oceano. Il mare è un luogo di meraviglia, di sogni e promesse, di un fascino travolgente che trasmette una grande serenità. Ci ipnotizza, ci assorbe e ci può riempire di stupore spirituale.
Sul Mar Mediterraneo sono state raccontate e scritte grandi storie da parte di tutti i popoli confinanti, ispirate da scoperte, conquiste e patrie adottive. Tutto ciò conduce fino a noi l’eco di infinite speranze, tragedie insopportabili e straordinari incontri.
Quelle onde hanno attraversato la storia, sono sempre state occasioni di partenze, incontri e abbandoni. Guerre e conoscenze lo attraversano da sempre.
Guardando il fluire del movimento di un danzatore, ritroviamo a volte quel moto naturale e ininterrotto delle superfici marine. E due persone che ballano passano sempre attraverso stati d’animo diversi, emozioni contrastanti, vicinanza e distanza.
“Noi siamo il rosso e il nero della terra, un oltremare di sandali sfondati, il polline e la polvere nel vento di stasera. Uno di noi, a nome di tutti, ha detto: “Non vi sbarazzerete di me. Va bene, muoio, ma in tre giorni resuscito e ritorno”.
Confini Disumani ispirato al testo Solo Andata di Erri De Luca è una preghiera fisica, una denuncia, un quadro nudo e svilito della nostra società. È una chiamata civile, una riflessione sofferta sulla perdita del senso di appartenenza. Un gruppo di migranti privi di identità che toccano lo stato d’animo della paura, della perdita, dell’ego accecato ed ancora si imbattono senza sosta nel pericolo. Una lente di ingrandimento su un viaggio sofferto che restituisce corpi privi di appartenenza in un racconto che si fa odissea contemporanea. Nessun bluff. È quello che ancora oggi accade.
Racconti di Danza è un incontro guidato da Nicolò Abbattista e Giovanni Careccia dedicato a illustrare tutti gli appuntamenti del Festival, le varie professionalità coinvolte nella sua realizzazione e il funzionamento della macchina teatrale.
L’appuntamento sarà un’occasione unica per spiare il “dietro le quinte” del mondo dello spettacolo, con una particolare attenzione alla danza contemporanea.
All’ingresso, un pastore attende il suo gregge: il pubblico. Lo accompagna fino al sito della performance, dispone le sue pecore e cade in sonno. I ricordi si animano. Un tappeto danza con un piccolo mucchio di terra: la sua forma teatrale.
In Ovis Aries un giardino, un parco, una campagna, un monte, un museo: ogni spazio prenderà la sua forma. In scena c’è solo un corpo, la pecora, e un materiale, la terra. Il corpo che abita la performer è un sacco creato artigianalmente, utilizzando lana di pecora. Ricorda un agnello pronto per essere sacrificato. Da esso nascerà, piano piano, una danza elegante e robusta, umana e animale, celeste e terrigna.
La performer, danzando e muovendosi su musiche e composizioni originali, darà vita all’animale e se ne distaccherà, instaurando con esso un dialogo, fino alla sua morte, al sacrificio e quindi a una nuova vita. Di nuovo, un ciclo.
Sweet Mumble è un progetto performativo di danza e voce che indaga le dinamiche affettive contemporanee e gli squilibri di potere che le attraversano, a partire dal fenomeno del ghosting e da forme di comunicazione intermittente, ambigua e frammentata. Il lavoro esplora l’assenza non come mancanza passiva, ma come forza attiva capace di modellare il corpo, il tempo e la possibilità di affidarsi all’altro.
Attraverso l’intreccio di pratica coreografica, scrittura autobiografica e uso della voce come materia instabile, la performance si sviluppa come un flusso discontinuo di gesti, parole interrotte e azioni quotidiane. Il linguaggio si spezza, deraglia in mormorii, cambia ritmo e intensità; il corpo risponde con micro-movimenti, sospensioni e ripetizioni, rendendo visibili le tracce che le relazioni lasciano nella postura, nell’ascolto e nella qualità della presenza.
Sweet Mumble costruisce un vocabolario coreografico dell’interruzione, in cui silenzio, esitazione e vulnerabilità diventano strategie compositive. La voce non accompagna il movimento, ma lo attraversa e lo modifica, generando pause, slittamenti e tensioni. In scena emerge un corpo giovane e incompiuto, attraversato da aspettative proiettate, desiderio di contatto e necessità di protezione.
Il progetto si configura come una ricerca sul corpo affettivo contemporaneo e sulla vulnerabilità come spazio politico. Trasformando un’esperienza intima in materia condivisibile, Sweet Mumble invita il pubblico ad abitare collettivamente la sospensione e a interrogarsi su cosa significhi oggi restare, scomparire, ascoltare e prendersi cura all’interno delle relazioni.
Un supermercato. Un incontro. Una storia d’amore.
Due clown, due buffoni, o forse solo due persone, si aggirano con cautela tra gli scaffali. Indossano doppi guanti di lattice, mascherine e, avvolti in molteplici strati di plastica, vagano con bastoni telescopici e spruzzini con cui puliscono ogni cosa prima di toccarla, per tenere il mondo alla debita distanza.
Ciascuno pensa a recuperare, nel minor tempo possibile, ciò di cui ha bisogno. Senonché, nello scaffale di detergenti e ammorbidenti, di flaconi ne è rimasto uno solo.
Si vedono da lontano e capiscono subito. Cosa ne sarà di questa lotta all’ultimo Coccolino?
È possibile che un nemico del genere, in tempi sospetti, possa diventare qualcosa di più?
Supermarket esplora la capacità, o l’incapacità, di accogliere le contraddizioni e le trasformazioni delle persone che ci circondano. Ci chiede se siamo innamorati della persona in sé o di ciò che quella persona rappresenta per noi.
Un ritorno alle proprie radici, alla riscoperta di suoni, colori ed emozioni che fanno parte di un bagaglio artistico ricco e variegato. È questo il punto di partenza del concerto di Karima, Canta Autori, il progetto attraverso cui l’artista rende omaggio ai grandi cantautori che hanno lasciato il segno nella musica e nella cultura italiana.
Uno spettacolo nel quale Karima si avvicina a questo repertorio con grande amore e rispetto, offrendo interpretazioni personali, intime e, allo stesso tempo, passionali, eleganti ed energiche. Sono i tratti distintivi di una cantante che, fin dai suoi primi passi artistici, si è approcciata con naturalezza alla musica black, al gospel e al jazz, dimostrando versatilità e la capacità di esprimersi attraverso linguaggi differenti.
In questo racconto musicale, che rivolge lo sguardo all’Italia, non potevano mancare i musicisti che l’accompagnano da sempre: Bernardo Guerra alla batteria, Gabriele Evangelista al contrabbasso e il Maestro Piero Frassi al pianoforte, al suo fianco ormai da ventuno anni e curatore degli arrangiamenti del progetto.
Il repertorio attraversa alcune delle pagine più amate della canzone d’autore italiana: Anna e Marco di Lucio Dalla, Anna verrà e Che ore so’ di Pino Daniele, Il nostro concerto di Umberto Bindi, Prendila così di Lucio Battisti, Scrivimi di Nino Buonocore, Buona notte a te di Fabio Concato e molti altri.
Più che un semplice concerto, Canta Autori è un viaggio emotivo e musicale che intreccia memoria, interpretazione e identità, restituendo nuova vita a brani che appartengono alla storia collettiva della musica italiana.
